Arq. Carlos Di Pasquo

LAS SILLAS EN SANTA MARTA

2011-10-13T09:03:00.000-07:00

una nueva imagen en la escenografía de LAS SILLAS

nuevo vestuario
una de las imagenes finales en el Teatro Santa Marta.

LAS SILLAS EN EL FESTIVAL DE SANTA MARTA, COLOMBIA.

2011-10-13T08:01:00.000-07:00

La obra LAS SILLAS abrió el FESTICARIBE, en Santa Marta, Colombia.

SIMON.ESTRENO, SEPTIEMBRE DE 2011

2011-10-13T07:28:00.000-07:00

HAMLET

2011-08-10T08:51:00.001-07:00

HAMLET

2011-08-10T08:48:00.001-07:00

HAMLET

2011-08-10T08:45:00.001-07:00

HAMLET

2011-08-10T08:15:00.000-07:00

ESTA SEMANA SE ESTRENO UN NUEVO HAMLET

Estreno de NEGRA LECHE DEL ALBA

2011-07-06T07:40:00.000-07:00

NEGRA LECHE DEL ALBA

Susana Di Gerónimo y Alejo Mango protagonizan esta puesta de Corina Fiorillo sobre textos de Patricia Suárez. Una indagación poética sobre la supervivencia, el dolor, la culpa, la justicia y la cobardía.

Estreno: viernes 8 de Julio, a las 21hs
Estreno para prensa: viernes 15 de julio 21hs
Funciones: viernes, a las 21hs
Tadrón: Niceto Vega 4802
Informes: 4777-7976
Entradas: $40

Sobre la obra
Negra leche del alba habla sobre aquellos que han sobrevivido al horror de una guerra, tal vez sobre la culpa de los que pudieron seguir, sobre la idea de justicia, sobre las pequeñas o grandes cobardías. De una forma universal, habla sobre las pérdidas y como continuar. De una forma poética habla sobre el dolor, el asumir, el continuar.
Tiene dentro de sí mismo las imágenes donde quedan alojadas las traiciones, las cobardías, las tristezas de los seres comunes a los que el horror transforma en únicos testigos a veces..
Lo hace a través de dos monólogos de Patricia Suárez y una adaptación escénica que hemos hecho tomando como punto de partida la obra poética de Paul Celan.
Negra leche del alba es un espectáculo poético, musical y sensible sobre aquellos que aún desde el dolor podemos hacer florecer las piedras.

Ficha Técnica
Autora: Patricia Suarez
Actores: Susana Di Gerónimo, Alejo Mango
Escenografía y vestuario: Carlos Di Pasquo
Fotografía y diseño de iluminación: Soledad Ianni
Musical original: Rony Keselman
Asistencia y producción ejecutiva: Claudio Santibañez
Prensa: Simkin & Franco
Dirección: Corina Fiorillo

Simkin & Franco

Estrategias de Prensa y Comunicación
Tel: 48640259 – 1540289525 / prensa@simkin-franco.com.ar
www.simkin-franco.com.ar

EXPOSICION DE ESCENOGRAFOS EN PRAGA

2011-07-03T19:56:00.000-07:00

en representacion de aEVa
mariana tirantte presenta el stand argentino

en la quadriennal de praga

11th International Competitive Exhibition

of Scenography and Theatre Architecture

Y ALLI TAMBIEN HEMOS PARTICIPADO
LA MUESTRA SE INAUGURO EL 15 DE JUNIO
Y AUN PERMANECE.

NOMINACION AL PREMIO TRINIDAD GUEVARA

2011-04-29T16:19:00.000-07:00

jueves, 28 de abril, 2011 13:32:28

Trinidad Guevara

Diplomas a los ternados Premios Trinidad Guevara

El pasado miércoles 20 de abril a las 15 hs. se realizó el acto de entrega de los diplomas a los artistas ternados a los Premios a la Labor Teatral en 2010 Trinidad Guevara, la ceremonia se realizó en el Salón Dorado de la Casa de la Cultura, Av. de Mayo 575 1º piso. El acto contó con la presencia de diversas autoridades e importantes figuras de la cultura de la Ciudad de Buenos Aires.

Ceremonia de entrega de diplomas a los artistas ternados.

TERNADOS

DISEÑO DE ILUMINACIÓN

ELI SIRLIN por su labor en la obra “LA NOCHE ANTES DE LOS BOSQUES”

FERNANDO BERRETA por sus labores en la obra “LA IDEA FIJA”

DAVID SELDES por su labor en la obra “EL PANTEÓN DE LA PATRIA”

COREOGRAFÍA

PABLO ROTEMBERG por su labor en la obra “LA IDEA FIJA”

MARÍA DEL MAR CODAZZI, EMILIANO FORMIA, RAMIRO SOÑEZ y VICTORIA VIBERTI por sus labores en la obra “OBJETOS”

ELEONORA COMELLI, MATÍAS ETCHEVERRY, ALINA MARINELLI y ANTONIO PINTOR por sus labores en la obra “LINAJE”

PARTITURA O BANDA DE SONIDO

DIEGO VILA por su labor en la obra “LA INHUMANA”

PATRICIA CASARES por su labor en la obra “EL PANTEÓN DE LA PATRIA”

CAMILO PARODI por su labor en la obra “BODAS DE SANGRE”

CREATIVIDAD EN DISEÑO DE VESTUARIO

CANDELARIA AASET por su labor en la obra “PARANÁ PORÁ”

CARLOS DI PASQUO por su labor en la obra “BODAS DE SANGRE”

MAGDA BANACH por su labor en la obra “EL PANTEÓN DE LA PATRIA”

CREATIVIDAD ESCENOGRÁFICA

ALBERTO NEGRÍN por su labor en la obra “LA NOCHE ANTES DE LOS BOSQUES”

MARIANA TIRANTTE por su labor en la obra “EL PASADO ES UN ANIMAL GROTESCO”

FÉLIX PADRÓN por su labor en la obra “EL PANTEÓN DE LA PATRIA”

AUTOR

ALEJANDRO ACOBINO por su obra “ABSENTHA”

AGUSTÍN MENDILAHARZU y WALTER JAKOB por su obra “LOS TALENTOS”

VIRGINIA INNOCENTI por su obra “DIJERON DE MÍ”

REVELACIÓN FEMENINA

CAROLINA MARTÍN FERRO por su labor en la obra “LOS TALENTOS”

VERÓNICA HASSAN por su labor en la obra “LA VIDA TERRENAL”

VANESA MAJA por su labor en la obra “ROSA BRILLANDO”

REVELACIÓN MASCULINA

FEDERICO SALLES por su labor en la obra “DESPERTAR DE PRIMAVERA”

NICOLÁS DOMINICI por su labor en la obra “VOCES DE FAMILIA”

MARIANO CHIESA por su labor en la obra “AVENIDA Q”

ACTUACIÓN FEMENINA de REPARTO

PILAR GAMBOA por su labor en la obra “EL TIEMPO TODO ENTERO”

LAURA ORTIGOZA por su labor en la obra “LAS PRIMAS O LA VOZ DE YUNA”

ACTUACIÓN MASCULINA de REPARTO

PATRICIO CONTRERAS por su labor en la obra “LA VIDA ES SUEÑO”

JOSÉ MEHEREZ por su labor en la obra “ABSENTHA”

FERNANDO MIGUELEZ por su labor en la obra “ABSENTHA”

PRODUCCIÓN TEATRAL PRIVADA

PATIO DE ACTORES

EL DUENDE

TEATRO DEL ABASTO

DIRECCIÓN

CLAUDIO QUINTEROS por su labor en la obra “EL LEGADO DE CAÍN”

PABLO ROTEMBERG por su labor en la obra “LA IDEA FIJA”

CIRO ZORZOLI por su labor en la obra “ESTADO DE IRA”

ACTUACIÓN PROTAGÓNICA FEMEMINA

VIRGINIA INNOCENTI por su labor en la obra “DIJERON DE MI”

VERÓNICA ODDÓ por su labor en la obra “BODAS DE SANGRE”

GABRIELA TOSCANO por su labor en la obra “HAMLET, LA METAMORFOSIS”

ACTUACIÓN PROTAGÓNICA MASCULINA

NICOLÁS SCARPINO por su labor en la obra “LOS 39 ESCALONES”

OSQUI GUZMÁN por su labor en la obra “EL BULULÚ”

DANIEL FANEGO por su labor en la obra “VIAJE DE UN LARGO DÍA HACIA LA NOCHE”

JURADO

Sra. ARACELI ARRECHE, en representación de la Comisión de Cultura de la Legislatura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires.

Sra. SILVIA BAYLÉ, en representación de la Asociación Argentina de Actores.

Sra. MARTHA ALBERTINAZZI, en representación de la Asociación Argentina de Actores.

Sra. ANA MARÍA CASÓ, en representación de la Asociación Argentina de Actores.

Sra. LUCÍA LARAGIONE, en representación de la Sociedad General de Autores de la Argentina (ARGENTORES).

Sra. ELIZABETH DE CHAPEAUROUGE, en representación de la Sociedad General de Autores de la Argentina (ARGENTORES).

Sr. MARTÍN BIANCHEDI, en representación de la Sociedad Argentina de Autores y Compositores de Música (SADAIC).

Sr. GABRIEL PERALTA, en representación del Círculo de Críticos de las Artes Escénicas de la Argentina (CRITEA).

Sr. ROBERTO PERINELLI, en calidad de Director de Teatro Municipal, representando a la Escuela Metropolitana de Arte Dramático (EMAD).

Coordinador: Dr. DANIEL COUTO – (Dirección General de Promoción Cultural del Ministerio de Cultura de la Ciudad de Buenos Aires)

NOMINACION AL PREMIO TRINIDAD GUEVARA

2011-04-13T09:41:00.000-07:00

Tres nominaciones al Premio Trinidad Guevara: Actriz/Verónica Oddó;
Música original/Camilo Parodi; Vestuario/Carlos Di Pasquo

centro latinoamericano de creación e investigación teatral
desde 1975 al servicio del teatro argentino y latinoamericano

8º mes de éxito

Juan Carlos Gené y Verónica Oddó en

8º mes de éxito
Viernes y sábados 20.30 hs.
Entrada: $ 50. Estudiantes y jubilados: $ 30.
Entradas en venta con hasta tres semanas de anticipación
CELCIT. Moreno 431. Teléfono: 4342-1026

Magistral recreación de un clásico
El amor y la muerte son intensidades ineludibles de la experiencia humana. Lo testimonian los mitos ancestrales, el arte de todos los tiempos, la crónica costumbrista, la noticia policial o las leyendas familiares. De ese constante se ocupa "Bodas de sangre (un cuento para cuatro actores)", espectáculo que se ofrece en el CELCIT y cuya meridiana belleza debe tanto a la poética lorquiana en la que se inspira como a la exquisita madurez creadora de Juan Carlos Gené. En la triple función de dramaturgo, actor y director, ratifica su profunda sintonía con el espíritu del autor granadino como su dominio de cada una de las herramientas escénicas. Desde el compromiso interpretativo que elenco hasta la pertinencia de la luz y la sombra, el color, los volúmenes o los sonidos elegidos, todo responde a una partitura dramática que lleva su sello y roza por momentos ese límite imposible que se concibe como perfección.
Claro que han sido fundamentales los climas aportados por la escenografía y el vestuario de Carlos Di Pasquo, sugeridores de la aridez andaluza que enmarca la acción. Tanto como la música de Camilo Parodi y Verónica Oddó, con hallazgos sonoros que descubren en el rasgueo de la guitarra, en el golpe rítmico de la mano contra una superficie hueca o en la sensualidad de un chamamé, la misma raíz del grito que universaliza dolores y pasiones en cualquier tiempo y geografía. Se trata de una reelaboración de la tragedia familiar escrita por García Lorca, que condensa la línea dramática y los personajes esenciales del texto: una boda que se frustra, una novia que huye con su antiguo amante, el novio que salda la injuria propia y la de su estirpe con la sangre de los traidores. Pero sobre la suma de deseo, represión, venganza y destino que se mezclan en la historia original, el espectáculo sobreimprime, como iluminadoras transparencias, algunos tramos presuntamente autobiográficos que Gené relata en entrañable primera persona. Como la devoción que su madre y su tía profesaban a Lorca o la noticia del asesinato del poeta a manos del franquismo. Todo filtrado -se subraya- por el frágil cañamazo de la memoria, que también construye identidad con los fantasmas del olvido.
Hay que decir, además, que la labor de Verónica Oddó -encarnando alternativamente a la madre del novio y a la Suegra- bordea lo prodigioso. Con la voz, el rictus, el andar, la postura y hasta el gesto seco al envolverse con su chal consigue inscribir el drama de cada una de sus criaturas en el contexto de Andalucía de principios del siglo XX. Su trabajo es el eje actoral que sostiene y dinamiza la impecable y singular estructura dramática en la que Gené anima, además, al padre de la novia. Por su parte, Violeta Zorrilla (novia, mujer de Leonardo, mendiga/muerte) y Camilo Parodi (Leonardo/novio) transitan con encanto y fluidez sus distintos roles y combinan erotismo y oscuros presagios en la escena de la danza nupcial. Olga Cosentino. Revista Noticias

Bodas de sangre y la doble tragedia
Juan Carlos Gené dirige y actúa en esta notable versión personal de la obra de Federico García Lorca.
La fatalidad juega a dos bandas: es el impulso irresistible que lleva a Leonardo y la Novia a unirse, más allá de cualquier convención social y de toda razón, y es la querella antigua entre dos familias enemigas, sembradoras de muertos en uno y otro bando. Inútil querer oponerse al destino incomprensible o pretender modificarlo: lo que ha de ser, será. "La tragedia es irreparable", enseña George Steiner en su admirable La muerte de la tragedia , y añade: "El teatro trágico es una expresión de la fase prerracional en la historia; se basa en el supuesto de que hay en la naturaleza y en la psique fuerzas incontrolables y ocultas, capaces de enloquecer o destruir a la mente". Bodas de sangre -estrenada en Madrid en 1933 por Josefina Díaz y en Buenos Aires, en ese mismo año, por Lola Membrives en el Maipo- es, en ese sentido, la última de las grandes tragedias del teatro occidental, en el nivel de los griegos, los franceses del siglo XVII o Rey Lear.
Es precisamente la ocasión del estreno porteño de Bodas de sangre la que da pretexto a Juan Carlos Gené para ofrecer esta notable versión personal de "un cuento para cuatro actores". Los cuatro se multiplican en varios personajes, conservando la titularidad de los principales -la Madre, la Novia, el Novio y Leonardo-, y la acción condensa el texto original, sin pérdida de su belleza poética ni de su vigor expresivo. Mientras tanto, Gené comenta la repercusión que tuvo aquí, en su familia porteña, la doble tragedia (la obra de teatro en sí y el asesinato de su autor, al comienzo de la Guerra Civil Española, en 1936, por obra de los franquistas), y este curioso y muy logrado recurso duplica también los atractivos del espectáculo.
En el marco austero proporcionado por el diseño escenográfico de Di Pasquo (tiene la rara virtud de sugerir, además de un interior sofocante, un afuera desértico, llagado por la sed y el polvo), los cuatro actores asumen con éxito la formidable tarea de desdoblarse en estas criaturas arrastradas por una antigua Fatalidad que no perdona, y en otras: algunas simbólicas, como la Luna, la del famoso romance, audazmente confiado en esta versión a un actor. También en la música hay transgresiones: en la fiesta de bodas los novios bailan un chamamé que no desentona en absoluto con la arcaica atmósfera campesina. Renovadas, estas Bodas aúnan la grandeza de un clásico con una bienvenida originalidad. Ernesto Schoo. La Nación

“Asiduo visitante de la poética de Lorca, Gené versionó en Bodas de Sangre (un cuento para cuatro actores) por primera vez, prácticamente íntegra, un texto destinado para teatro por el poeta granadino. Con licencias, claro, logró en escena un entramado de singular potencia solventado con fragmentos de su historia personal. Esta reescritura de Bodas de sangre es un conmovedor tejido teatral que recrea en escena la sabiduría de un artificio anudado a la memoria”. Juanjo Santillán, Clarín

“La dramaturgia de Gené está rozada por evocaciones emotivas de su infancia; el erotismo incierto del crujir de una enagua familiar. Sobre esta falsa o verdadera evocación, el teatrista reteje la lorquiana esencia lírica y trágica del amor imposible; ideas hechas palabras con sonora visualidad y estremecedora belleza. Excelentes todos los orgánicos interpretes, todos sus desdoblamientos en varios roles, en los que la palabra prevalece, vive su hondo dramatismo sin énfasis innecesarios ni grandilocuencias vanas”. Luis Mazas, Revista XXIII

“Con licencias que le dan mayor potencia al texto y con interpretaciones de gran entrega la puesta de Gené logra en escena que se exprese la magia encerrada en la poética del gran clásico. Son fragmentos entrelazados, una reescritura de Bodas de sangre que conmueve y arroja al aire de la escena una belleza avasalladora. La calma, la calidez de la voz y el tiempo que se toma Gené para relatar las escenas que se suceden abren el alma del espectador para recibir la fuerza y densidad de la poesía con la que escribió Federico García Lorca”. Gabriela García Morales, Culturar.com

“Reduciendo el extenso reparto original a una partitura para dos actrices y dos actores, la versión muestra la sabiduría de Gené para abarcar el mundo de la obra en un tiempo y un espacio mínimos, condensando personajes, diálogos e información, sin dejar afuera el abanico temático (el amor desencontrado, el honor, la tierra, la sangre, la muerte), como tampoco la atmósfera lorquiana y la potencia de las imágenes, a través de un elocuente sistema de alusiones”. José Moset, Acción

“Los cuerpos de los actores van tomando las almas de los distintos personajes, y la metamorfosis se cumple mágicamente dejando de lado la anticipación que aparece en el relato del narrador. Es tan acertado el reparto, que Verónica Oddo y Camilo Parodi parecen haber salido directamente de una obra de Lorca. Sus voces, su textura y su físico corresponden al colectivo imaginario de las obras del poeta. La puesta en escena creada por Gené invita a un mundo bello, sencillo e intenso, donde los elementos vitales conviven. Una representación de Bodas de sangre que toca al corazón y vuelve a revivir el universo lorquiano”. Viviana Foschi, Casting Porteña

“A la hora de atribuir méritos, acaso haya que resaltar la genial idea de Gené de cruzar su mitología familiar y Bodas de sangre. Habrá que señalar que el alma de Federico, el duende, sigue revoloteando por los escenarios de Buenos Aires, inspirando a cuatro actores y generando bella poesía y música y haciendo con esas materias el mejor teatro, placer para todos los sentidos y temblor para el alma. Y sobre todo, habrá que señalar un fenómeno extraño: cuando Verónica Oddó pisa un escenario, todos, actores y público, somos mejores que en nuestras soledades; todos nos volvemos súbitamente capaces de acercarnos por un rato a cierta comprensión, a cierto dolor, a cierto abismo”. Christian Lange, poesisteatral.blogspot.com

“Relato de una experiencia infantil de Gené, cuya madre y tía quedaron fascinadas al conocer al granadino en persona allá por 1933, durante su estadía porteña, sirve para que el mismo actor y director incluya sus vivencias personales sobre un autor que frecuenta hace años. El asunto tiene su atractivo, porque el actor–director hace llevadera su emotiva narración sin que interfiera sobre la acción dramática, vertida con soltura y sensibilidad y con un elenco recortado aunque eficaz”. Héctor Puyo, Télam

"Mundos que se entrecruzan, se fusionan, que chisporrotean sensaciones y amalgaman emociones. De esos elementos está compuesto este hecho teatral de excelencia que es Bodas de sangre. Tanto el drama de Lorca como las vivencias de Gené se albergan mutuamente en el austero pero potente espacio diseñado por Carlos Di Pasquo, en que las sustancias, el peso y la forma de los objetos que lo conforman, van a la esencia misma de la tragedia. De tal finura es el entramado de la dramaturgia de Gené, que la ficción y el recuerdo borran sus límites, sin que por eso ambas historias pierdan su propio peso dramático. Otro elemento que moldea el cuerpo de la obra es la música original de Camilo Parodi (hecha de sensaciones sonoras) y la musicalización de Verónica Oddó y del mismo Parodi, alternando bravura y sensualidad cada vez que se imbrican con las palabras y las acciones. El muy buen vestuario, del mismo Di Pasquo, resume en blanco y negro, lo parco y lo fantástico del drama de Lorca en texturas que van de lo agreste a la fina sensualidad. Bodas de sangre, es una obra que no merece perderse: Lorca, Gené, cuatro fantásticos actores y un estupendo diseño artístico, así lo exigen". Gabriel Peralta. Críticateatral.com.ar

"El dramaturgo, actor y director Juan Carlos Gené inventa como creador una nueva mirada sobre "Bodas de sangre" de Federico García Lorca. A partir de una autorreferencialidad propone al público la teatralidad de esta obra, donde es el propio Gené quien se transforma en narrador/guía. Gené es un profundo conocedor de la estructura dramática, por lo cual "Bodas de sangre" está sobre el escenario, pero en esta oportunidad es a través suyo y de su lectura. El espacio escénico imaginado por Carlos Di Pasquo seduce desde una sencillez notable y nada de lo que se ve es casual, todo responde a un porqué, a partir de detalles sencillos pero concretos. Casi todas las obras de García Lorca reclaman muy buenos intérpretes y este elenco los tiene. La composición de Verónica Oddó conmueve, ella es la madre tierra, la que pare hijos que son asesinados. Su voz y su cuerpo pasan por quiebres, sutilezas, nada del arte de la actuación le es ajeno. Ese imán que ella ejerce, por energía y puro talento, complejiza el compartir escenario, pero, en este caso, tanto Violeta Zorrila como Camilo Parodi consiguen acompañarla con muy buenos momentos interpretativos, en papeles tan complejos como los que imaginó García Lorca". Ana Seoane. Diario Perfil

"En este magnífico montaje la tragedia se multiplica constantemente. Desfilan ante nosotros (a un mismo tiempo) la pieza que escribió Lorca y la que nos cuenta Gené. En la segunda se unen la tragedia del tiempo, que todo lo distorsiona y lo magnifica, la del horror de la Guerra Civil Española, el asesinato de Federico –que nunca dejan de horrorizarnos– la de las consecuencias del golpe militar del ’30 en Argentina, y toda la carga de “Bodas de sangre”. La vida, el amor y la muerte desfilan por la escena engarzándose magistralmente en el cuento sin perder ninguno de los valores que imprimió el granadino en la obra original. El narrador es una omnipresencia que extrema las situaciones hasta viajar a los ojos del niño que fue y desde allí explicar (y explicarse) todo lo que no entendía entonces, todo lo que vivía a través de lo que hablaban su madre y su tía, tanto cuando García Lorca visitó Buenos Aires, como el dolor que se apoderó de ellas al conocerse la noticia de su fusilamiento. La otra línea argumental, la de la tragedia misma, la desarrollan los cuatro actores cambiando sus roles cada vez que es necesario. Verónica Oddó, despliega artesanalmente toda la dureza de esas mujeres que de tan duras se confunden con la aridez de la tierra misma, pero a la que una gota de agua puede llegar a arrancarles dulzura. Camilo Parodi, transita desde ser El Novio amante devoto, que sólo puede comprender la vida de a dos, a transformarse en el fatuo ardiente, posesivo, dominante insatisfecho que es Leonardo. Y en Violeta Zorrilla se funden la inseguridad de La Novia, con el resentimiento de La Mujer de Leonardo y la clarividencia de La Mendiga. En esta puesta, Juan Carlos Gené, ha sabido captar la profundidad del sentimiento de marginalidad y el olor a muerte, que tanto pesan en la obra original. Dos de los toques más singulares de la puesta, son: la sobria escenografía y el austero vestuario, ambos salidos de la experta creatividad de Carlos DiPasquo. "Bodas de sangre"no sólo es un nuevo esfuerzo teatral memorable de Juan Carlos Gené, sino un delicado trabajo coral que merece todas las ovaciones que recibe al finalizar cada función". Osvaldo Sabino. Pressenta.com.ar

Este espectáculo cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro, Proteatro y el Fondo Nacional de las Artes

Más información: www.celcit.org.ar

LAS SILLAS de E. Ionesco.

2011-03-29T09:28:00.001-07:00

Las Sillas

se estrenó el domingo 27 de marzo de 2011
en el Actor´studio.

LA CASA DE LOS RUIDOS

2011-03-29T08:33:00.001-07:00

El sábado 26 de marzo se estrenó en la UPB
La Casa de los Ruidos.

LA CASA DE LOS RUIDOS

2011-03-29T08:33:00.000-07:00

ESCENAS ILUMINADAS DE LA MEMORIA

2011-03-29T08:17:00.001-07:00

ESCENAS ILUMINADAS DE LA MEMORIA

2011-03-29T07:54:00.000-07:00

http://www.youtube.com/watch?v=D6T8xqZkxr4&feature=related

RE-ESTRENO DE BODAS DE SANGRE EN MARZO

2011-03-07T05:53:00.000-08:00

domingo, 6 de marzo, 2011 18:12:26

Invitación al reestreno de BODAS DE SANGRE con Juan Carlos Gené y Verónica Oddó

...

De:	CorreoCELCIT ... Ver contacto
Para:	dipasquoc@yahoo.com.ar

centro latinoamericano de creación e investigación teatral
desde 1975 al servicio del teatro argentino y latinoamericano

Querido amigo, querida amiga:
Tengo el agrado de invitarte al reestreno de "Bodas de sangre" de Federico García Lorca, con dramaturgia y dirección de Juan Carlos Gené.
Las funciones de reestreno se realizarán el próximo viernes y sábado a las 20.30 en el CELCIT, Moreno 431.
Como de costumbre, debés hacer la reserva de localidades a correo@celcit.org.ar, indicando para qué día es.
Esperando contar con tu grata presencia, recibí un cordial saludo de
Carlos Ianni

Invitación válida para dos personas
El valor de la entrada para invitados es de $ 15 por persona

Se reestrena

Juan Carlos Gené y Verónica Oddó en

Bodas de sangre

De Federico García Lorca
(Un cuento para cuatro actores)
Con Camilo Parodi y Violeta Zorrilla
Asistente: Milagros Plaza Díaz. Escenografía y vestuario: Carlos Di Pasquo
Dramaturgia y dirección: Juan Carlos Gené

"Trabajo destacado" 13º Premios Teatro del Mundo 2009/2010: Dirección/Juan Carlos Gené; Adaptación/Juan Carlos Gené; Actriz/Verónica Oddó; Banda sonora/Camilo Parodi y Verónica Oddó; Fotografía/Soledad Ianni

Viernes y sábados 20.30 hs.
Entrada: $ 50. Estudiantes y jubilados: $ 30.
Entradas en venta con hasta tres semanas de anticipación
CELCIT. Moreno 431. Teléfono: 4342-1026

Magistral recreación de un clásico
El amor y la muerte son intensidades ineludibles de la experiencia humana. Lo testimonian los mitos ancestrales, el arte de todos los tiempos, la crónica costumbrista, la noticia policial o las leyendas familiares. De ese constante se ocupa "Bodas de sangre (un cuento para cuatro actores)", espectáculo que se ofrece en el CELCIT y cuya meridiana belleza debe tanto a la poética lorquiana en la que se inspira como a la exquisita madurez creadora de Juan Carlos Gené. En la triple función de dramaturgo, actor y director, ratifica su profunda sintonía con el espíritu del autor granadino como su dominio de cada una de las herramientas escénicas. Desde el compromiso interpretativo que elenco hasta la pertinencia de la luz y la sombra, el color, los volúmenes o los sonidos elegidos, todo responde a una partitura dramática que lleva su sello y roza por momentos ese límite imposible que se concibe como perfección.
Claro que han sido fundamentales los climas aportados por la escenografía y el vestuario de Carlos Di Pasquo, sugeridores de la aridez andaluza que enmarca la acción. Tanto como la música de Camilo Parodi y Verónica Oddó, con hallazgos sonoros que descubren en el rasgueo de la guitarra, en el golpe rítmico de la mano contra una superficie hueca o en la sensualidad de un chamamé, la misma raíz del grito que universaliza dolores y pasiones en cualquier tiempo y geografía. Se trata de una reelaboración de la tragedia familiar escrita por García Lorca, que condensa la línea dramática y los personajes esenciales del texto: una boda que se frustra, una novia que huye con su antiguo amante, el novio que salda la injuria propia y la de su estirpe con la sangre de los traidores. Pero sobre la suma de deseo, represión, venganza y destino que se mezclan en la historia original, el espectáculo sobreimprime, como iluminadoras transparencias, algunos tramos presuntamente autobiográficos que Gené relata en entrañable primera persona. Como la devoción que su madre y su tía profesaban a Lorca o la noticia del asesinato del poeta a manos del franquismo. Todo filtrado -se subraya- por el frágil cañamazo de la memoria, que también construye identidad con los fantasmas del olvido.
Hay que decir, además, que la labor de Verónica Oddó -encarnando alternativamente a la madre del novio y a la Suegra- bordea lo prodigioso. Con la voz, el rictus, el andar, la postura y hasta el gesto seco al envolverse con su chal consigue inscribir el drama de cada una de sus criaturas en el contexto de Andalucía de principios del siglo XX. Su trabajo es el eje actoral que sostiene y dinamiza la impecable y singular estructura dramática en la que Gené anima, además, al padre de la novia. Por su parte, Violeta Zorrilla (novia, mujer de Leonardo, mendiga/muerte) y Camilo Parodi (Leonardo/novio) transitan con encanto y fluidez sus distintos roles y combinan erotismo y oscuros presagios en la escena de la danza nupcial. Olga Cosentino. Revista Noticias

Bodas de sangre y la doble tragedia
Juan Carlos Gené dirige y actúa en esta notable versión personal de la obra de Federico García Lorca.
La fatalidad juega a dos bandas: es el impulso irresistible que lleva a Leonardo y la Novia a unirse, más allá de cualquier convención social y de toda razón, y es la querella antigua entre dos familias enemigas, sembradoras de muertos en uno y otro bando. Inútil querer oponerse al destino incomprensible o pretender modificarlo: lo que ha de ser, será. "La tragedia es irreparable", enseña George Steiner en su admirable La muerte de la tragedia , y añade: "El teatro trágico es una expresión de la fase prerracional en la historia; se basa en el supuesto de que hay en la naturaleza y en la psique fuerzas incontrolables y ocultas, capaces de enloquecer o destruir a la mente". Bodas de sangre -estrenada en Madrid en 1933 por Josefina Díaz y en Buenos Aires, en ese mismo año, por Lola Membrives en el Maipo- es, en ese sentido, la última de las grandes tragedias del teatro occidental, en el nivel de los griegos, los franceses del siglo XVII o Rey Lear.
Es precisamente la ocasión del estreno porteño de Bodas de sangre la que da pretexto a Juan Carlos Gené para ofrecer esta notable versión personal de "un cuento para cuatro actores". Los cuatro se multiplican en varios personajes, conservando la titularidad de los principales -la Madre, la Novia, el Novio y Leonardo-, y la acción condensa el texto original, sin pérdida de su belleza poética ni de su vigor expresivo. Mientras tanto, Gené comenta la repercusión que tuvo aquí, en su familia porteña, la doble tragedia (la obra de teatro en sí y el asesinato de su autor, al comienzo de la Guerra Civil Española, en 1936, por obra de los franquistas), y este curioso y muy logrado recurso duplica también los atractivos del espectáculo.
En el marco austero proporcionado por el diseño escenográfico de Di Pasquo (tiene la rara virtud de sugerir, además de un interior sofocante, un afuera desértico, llagado por la sed y el polvo), los cuatro actores asumen con éxito la formidable tarea de desdoblarse en estas criaturas arrastradas por una antigua Fatalidad que no perdona, y en otras: algunas simbólicas, como la Luna, la del famoso romance, audazmente confiado en esta versión a un actor. También en la música hay transgresiones: en la fiesta de bodas los novios bailan un chamamé que no desentona en absoluto con la arcaica atmósfera campesina. Renovadas, estas Bodas aúnan la grandeza de un clásico con una bienvenida originalidad. Ernesto Schoo. La Nación

“Asiduo visitante de la poética de Lorca, Gené versionó en Bodas de Sangre (un cuento para cuatro actores) por primera vez, prácticamente íntegra, un texto destinado para teatro por el poeta granadino. Con licencias, claro, logró en escena un entramado de singular potencia solventado con fragmentos de su historia personal. Esta reescritura de Bodas de sangre es un conmovedor tejido teatral que recrea en escena la sabiduría de un artificio anudado a la memoria”. Juanjo Santillán, Clarín

“La dramaturgia de Gené está rozada por evocaciones emotivas de su infancia; el erotismo incierto del crujir de una enagua familiar. Sobre esta falsa o verdadera evocación, el teatrista reteje la lorquiana esencia lírica y trágica del amor imposible; ideas hechas palabras con sonora visualidad y estremecedora belleza. Excelentes todos los orgánicos interpretes, todos sus desdoblamientos en varios roles, en los que la palabra prevalece, vive su hondo dramatismo sin énfasis innecesarios ni grandilocuencias vanas”. Luis Mazas, Revista XXIII

“Con licencias que le dan mayor potencia al texto y con interpretaciones de gran entrega la puesta de Gené logra en escena que se exprese la magia encerrada en la poética del gran clásico. Son fragmentos entrelazados, una reescritura de Bodas de sangre que conmueve y arroja al aire de la escena una belleza avasalladora. La calma, la calidez de la voz y el tiempo que se toma Gené para relatar las escenas que se suceden abren el alma del espectador para recibir la fuerza y densidad de la poesía con la que escribió Federico García Lorca”. Gabriela García Morales, Culturar.com

“Reduciendo el extenso reparto original a una partitura para dos actrices y dos actores, la versión muestra la sabiduría de Gené para abarcar el mundo de la obra en un tiempo y un espacio mínimos, condensando personajes, diálogos e información, sin dejar afuera el abanico temático (el amor desencontrado, el honor, la tierra, la sangre, la muerte), como tampoco la atmósfera lorquiana y la potencia de las imágenes, a través de un elocuente sistema de alusiones”. José Moset, Acción

“Los cuerpos de los actores van tomando las almas de los distintos personajes, y la metamorfosis se cumple mágicamente dejando de lado la anticipación que aparece en el relato del narrador. Es tan acertado el reparto, que Verónica Oddo y Camilo Parodi parecen haber salido directamente de una obra de Lorca. Sus voces, su textura y su físico corresponden al colectivo imaginario de las obras del poeta. La puesta en escena creada por Gené invita a un mundo bello, sencillo e intenso, donde los elementos vitales conviven. Una representación de Bodas de sangre que toca al corazón y vuelve a revivir el universo lorquiano”. Viviana Foschi, Casting Porteña

“A la hora de atribuir méritos, acaso haya que resaltar la genial idea de Gené de cruzar su mitología familiar y Bodas de sangre. Habrá que señalar que el alma de Federico, el duende, sigue revoloteando por los escenarios de Buenos Aires, inspirando a cuatro actores y generando bella poesía y música y haciendo con esas materias el mejor teatro, placer para todos los sentidos y temblor para el alma. Y sobre todo, habrá que señalar un fenómeno extraño: cuando Verónica Oddó pisa un escenario, todos, actores y público, somos mejores que en nuestras soledades; todos nos volvemos súbitamente capaces de acercarnos por un rato a cierta comprensión, a cierto dolor, a cierto abismo”. Christian Lange, poesisteatral.blogspot.com

“Relato de una experiencia infantil de Gené, cuya madre y tía quedaron fascinadas al conocer al granadino en persona allá por 1933, durante su estadía porteña, sirve para que el mismo actor y director incluya sus vivencias personales sobre un autor que frecuenta hace años. El asunto tiene su atractivo, porque el actor–director hace llevadera su emotiva narración sin que interfiera sobre la acción dramática, vertida con soltura y sensibilidad y con un elenco recortado aunque eficaz”. Héctor Puyo, Télam

"Mundos que se entrecruzan, se fusionan, que chisporrotean sensaciones y amalgaman emociones. De esos elementos está compuesto este hecho teatral de excelencia que es Bodas de sangre. Tanto el drama de Lorca como las vivencias de Gené se albergan mutuamente en el austero pero potente espacio diseñado por Carlos Di Pasquo, en que las sustancias, el peso y la forma de los objetos que lo conforman, van a la esencia misma de la tragedia. De tal finura es el entramado de la dramaturgia de Gené, que la ficción y el recuerdo borran sus límites, sin que por eso ambas historias pierdan su propio peso dramático. Otro elemento que moldea el cuerpo de la obra es la música original de Camilo Parodi (hecha de sensaciones sonoras) y la musicalización de Verónica Oddó y del mismo Parodi, alternando bravura y sensualidad cada vez que se imbrican con las palabras y las acciones. El muy buen vestuario, del mismo Di Pasquo, resume en blanco y negro, lo parco y lo fantástico del drama de Lorca en texturas que van de lo agreste a la fina sensualidad. Bodas de sangre, es una obra que no merece perderse: Lorca, Gené, cuatro fantásticos actores y un estupendo diseño artístico, así lo exigen". Gabriel Peralta. Críticateatral.com.ar

"El dramaturgo, actor y director Juan Carlos Gené inventa como creador una nueva mirada sobre "Bodas de sangre" de Federico García Lorca. A partir de una autorreferencialidad propone al público la teatralidad de esta obra, donde es el propio Gené quien se transforma en narrador/guía. Gené es un profundo conocedor de la estructura dramática, por lo cual "Bodas de sangre" está sobre el escenario, pero en esta oportunidad es a través suyo y de su lectura. El espacio escénico imaginado por Carlos Di Pasquo seduce desde una sencillez notable y nada de lo que se ve es casual, todo responde a un porqué, a partir de detalles sencillos pero concretos. Casi todas las obras de García Lorca reclaman muy buenos intérpretes y este elenco los tiene. La composición de Verónica Oddó conmueve, ella es la madre tierra, la que pare hijos que son asesinados. Su voz y su cuerpo pasan por quiebres, sutilezas, nada del arte de la actuación le es ajeno. Ese imán que ella ejerce, por energía y puro talento, complejiza el compartir escenario, pero, en este caso, tanto Violeta Zorrila como Camilo Parodi consiguen acompañarla con muy buenos momentos interpretativos, en papeles tan complejos como los que imaginó García Lorca". Ana Seoane. Diario Perfil

"En este magnífico montaje la tragedia se multiplica constantemente. Desfilan ante nosotros (a un mismo tiempo) la pieza que escribió Lorca y la que nos cuenta Gené. En la segunda se unen la tragedia del tiempo, que todo lo distorsiona y lo magnifica, la del horror de la Guerra Civil Española, el asesinato de Federico –que nunca dejan de horrorizarnos– la de las consecuencias del golpe militar del ’30 en Argentina, y toda la carga de “Bodas de sangre”. La vida, el amor y la muerte desfilan por la escena engarzándose magistralmente en el cuento sin perder ninguno de los valores que imprimió el granadino en la obra original. El narrador es una omnipresencia que extrema las situaciones hasta viajar a los ojos del niño que fue y desde allí explicar (y explicarse) todo lo que no entendía entonces, todo lo que vivía a través de lo que hablaban su madre y su tía, tanto cuando García Lorca visitó Buenos Aires, como el dolor que se apoderó de ellas al conocerse la noticia de su fusilamiento. La otra línea argumental, la de la tragedia misma, la desarrollan los cuatro actores cambiando sus roles cada vez que es necesario. Verónica Oddó, despliega artesanalmente toda la dureza de esas mujeres que de tan duras se confunden con la aridez de la tierra misma, pero a la que una gota de agua puede llegar a arrancarles dulzura. Camilo Parodi, transita desde ser El Novio amante devoto, que sólo puede comprender la vida de a dos, a transformarse en el fatuo ardiente, posesivo, dominante insatisfecho que es Leonardo. Y en Violeta Zorrilla se funden la inseguridad de La Novia, con el resentimiento de La Mujer de Leonardo y la clarividencia de La Mendiga. En esta puesta, Juan Carlos Gené, ha sabido captar la profundidad del sentimiento de marginalidad y el olor a muerte, que tanto pesan en la obra original. Dos de los toques más singulares de la puesta, son: la sobria escenografía y el austero vestuario, ambos salidos de la experta creatividad de Carlos DiPasquo. "Bodas de sangre"no sólo es un nuevo esfuerzo teatral memorable de Juan Carlos Gené, sino un delicado trabajo coral que merece todas las ovaciones que recibe al finalizar cada función". Osvaldo Sabino. Pressenta.com.ar

Este espectáculo cuenta con el apoyo del Instituto Nacional del Teatro, Proteatro y el Fondo Nacional de las Artes

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MAS SOBRE LA EXPOSICION DE ESCENOGRAFIA

2011-03-04T18:11:00.000-08:00

Viernes, 4 de marzo de 2011

CULTURA › ESCENAS ILUMINADAS DE LA MEMORIA, EN EL CENTRO CULTURAL HAROLDO CONTI

Cuando la escenografía es la obra

La muestra comprende instalaciones que podrán funcionar como espacios escenográficos y que, según Eduardo Jozami, director del CCMHConti, “se abren hacia aquello que el Centro necesita: ser un espacio de reflexión, debate y vida”.

Por Hilda Cabrera

La ansiedad que acompaña a toda inauguración tuvo su premio. Escenas iluminadas de la memoria, el trabajo que presentó el martes un grupo de escenógrafos e iluminadores en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (en el predio de la ex ESMA), fue apreciado por un público inquieto y participativo. El director Javier Margulis, a cargo del área de Teatro del Centro, y Eduardo Jozami, director del CCMHConti, dieron la bienvenida con discursos breves y sentidos, con especial agradecimiento a los estudiantes de escenografía que colaboraron en la realización de las instalaciones. Fue Jozami quien, en un aparte con Página/12, amplió algunos puntos sobre este nuevo proyecto que tendrá continuidad en obras de teatro para esas mismas escenografías. “Al principio me sonaba raro esto de crear las escenografías y después las obras, pero más tarde pensé que no era tan extraño, que tenía relación con el espacio. Uno no puede dejar de pensar que aquí funcionó la ESMA. Estos trabajos, creo, le han dado otro significado. Cada uno expresa ideas distintas sobre lo que pasó: no hay una única lectura. Si uno recorre la muestra siente que algo lo sobrecoge, porque está evocando el horror, pero no se queda ahí. Estas instalaciones se abren hacia otras cosas, hacia aquello que el Centro necesita: ser un espacio de reflexión, debate y vida.”

–Personas que sufrieron la desaparición de familiares dicen sentirse contenidas, abrazadas por el afecto...

–Al principio no fue así. Cuando se habló de iniciar actividades en el predio, sobre todo culturales, los familiares se negaron a que en el lugar en el que mataron a los suyos se hicieran espectáculos. Hoy no sucede. Esas personas sienten que es otra manera de recordarlos. No organizamos espectáculos de teatro, cine o música para olvidarlos. La intención es recuperarlos en toda su diversidad. De algún modo, desde la cultura quizá podamos entender mejor qué nos pasó en los años ’70, y desde ahí tener otra mirada sobre el país de hoy.

Angela Lita Boitano, madre de Plaza de Mayo e integrante de Familiares de Detenidos y Desaparecidos por Razones Políticas, recorría el lugar y dio su opinión: “Muchas mamás no pueden ni entrar a este lugar. A mí me pasó al principio, acompañando a los sobrevivientes, porque sin sobrevivientes este lugar era una lista de desaparecidos. No me decía nada, porque lo que tenía en mi cabeza era otra cosa. Pensar que con mi marido y los chicos íbamos al río y al pasar por la ESMA me parecía un edificio lindo. Me atraía el estilo, el verde que lo rodeaba... Eso fue hace 45 años, mi hija tendría ahora 58”. El hijo de Boitano, Miguel Angel, fue secuestrado el 29 de mayo de 1976, y la hija, Adriana Silvia, el 24 de abril de 1977. Angela está entre las que se sienten acompañadas: “Salir a la calle me mantuvo viva y sana desde la cabeza. Muchas mamás que se quedaron en sus casas sufrieron mucho. Juntarnos con otras madres nos ayudaba. Después formamos esta gran familia que tenemos hoy”.

La escenógrafa María Julia Bertotto subrayó el hecho de que el concepto y la idea respecto de su obra le surgieron de inmediato: “Están en el título de mi obra: De la sombra a la luz de la memoria. Para mí, la sombra es el olvido. El olvido está en la sombra y es la memoria la que lo trae a la luz”. Concretar un trabajo es, a su entender, algo complejo: “Tendí a un minimalismo que tuviera en cuenta los problemas de producción. No puedo dejar de pensar que soy argentina y que acá cuesta realmente mucho hacer lo que nos proponemos”. También ella se mostró agradecida hacia las estudiantes de escenografía, “que han trabajado con amor y dedicación”: “Creo que sin amor no se puede hacer nada y que este lugar, que ha sido de horror, puede llegar a generar luz, cultura y hasta alegría”.

El escenógrafo Carlos Di Pascuo, ocupado en sacar fotos, decidió hablar de su obra Los duelos de la memoria, “que son como los duelos del olvido”. “Hay cosas que viene muy bien que uno vaya cubriendo, porque las heridas y los dolores son demasiado intensos, pero hay una memoria colectiva que debe existir. Con estas telas que caen quería expresar ese dolor ‘amortiguado’, pero las cabezas con pañuelos están siempre en el fondo.” Di Pascuo ya venía experimentando con este particular uso de la tela en obras recientes: Las neurosis sexuales de nuestros padres, de Lukas Bärfuss, y Nunca será igual con otro, de Carlos Ares. “La diferencia –observó– es que aquí el punto de partida fueron las cabezas con pañuelos de las Madres, para mí, símbolo de la memoria de todo lo sucedido en nuestro país. Las distintas capas de telas muestran aquello que se olvida y aquello que permanece.”

Una obra de planos inclinados, creada por el escenógrafo René Diviú, lleva un título de apertura: Oxígeno. “Cuando me invitaron a participar, y pensando ya en la memoria, sentí que no quería seguir en la tristeza, que necesitaba ir más allá. Por eso le puse ese nombre –comentó, entusiasmado con el hallazgo–. Después de tanto dolor, tiene que haber una luz, aire fresco... Y esa ventana, que es la de la sala, me tiraba hacia la luz. La ventana fue mi punto de partida y la metáfora de una esperanza. Pienso que tanto dolor tiene que darnos impulso para seguir creando, para imaginar y trabajar buscando más luz, más aire.” A su vez, el escenógrafo Héctor Calmet puso el acento en el timbre de un viejo teléfono que sonaba insistente en una habitación revuelta con saña. “El teléfono llama y nadie puede contestar –señaló–. Con mi hijo Pablo quisimos mostrar una escena desgraciadamente conocida en nuestro país. Esta es una escenografía realista con una puerta violentada y una casa destruida.” El título de la obra es 26 de abril de 1976 - 20 horas. “Esa es la fecha en que se llevaron a un amigo abogado, el doctor Héctor Sobel, al que trajeron acá, a la ESMA. Por eso, cuando me preguntaron qué título quería ponerle, elegí ése. Es un homenaje.”

Al escenógrafo Norberto Laino se lo había visto días antes de la inauguración trabajar muy duramente, a la par de un obrero. El mismo se considera un obrero, pero del barroco. “Mis escenografías son una muestra del barroco del proletariado”, bromeó. Su obra muestra un fragmento de lo que sería un tríptico (una casa completa). Aquí se tomó sólo una habitación en un entorno devastado. El título es El insomnio de los monumentos, y lo expuesto está inspirado en La balsa de la Medusa (óleo del francés Théodore Géricault). Laino relaciona el agua con el Río de la Plata, y el conjunto, con “la Patria profanada y adolescente”. Se ve la figura de un hombre que intenta atrapar la luz y una jauría de perros “que tratan de invadir el lugar”. A este trabajo hecho junto al iluminador Marcos Pastorino quiso imprimirle humor. El público tendrá que descubrirlo. “Se puede leer como una protesta –apuntó–, y como una esperanza. Apuesto a la juventud que vi trabajar todos estos días y a que me critiquen. Me da placer haber vivido esta experiencia. De acá me llevo muchas cosas, pero, sobre todo, esto de darme cuenta de que no todo es ese catálogo prostibular que aparece por televisión, que se viene una camada de chicos que saben trabajar con alegría.”

* Escenas iluminadas de la memoria continúa hasta el 3 de abril, con entrada gratuita, en el Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti. Entrada por Av. del Libertador 8151. Teléfonos: 4702-7777/3033. www.derhuman.jus.gov.ar/conti

ESCENAS ILUMINADAS DE LA MEMORIA

2011-03-03T18:13:00.001-08:00

ESCENAS ILUMINADAS DE LA MEMORIA

2011-03-03T18:08:00.000-08:00

CTEATRO

ESCENAS ILUMINADAS DE LA MEMORIA

Una reconstrucción con el azar como aliado y un plan: iluminar zonas recónditas de una memoria colectiva.

Una creación a partir de subvertir los ordenes de producción habituales de la obra teatral.

DEL 1º DE MARZO AL 3 DE ABRIL

ENTRADA GRATUITA

Escenógrafos e iluminadores intervienen el espacio del CCMHConti con

instalaciones escenográficas
.

Artistas que participan: Héctor Calmet - Pablo Calmet; Oria Puppo; Carlos Di Pasquo - Fernando Díaz; René Diviú - Leandra Rodríguez; Alejandro Mateo - Jorge Ferro; Marcelo Salvioli - Alejandro Leroux: Alejandra Polito - Matías Sendón; Norberto Laino - Marco Pastorino; Alberto Negrín - Eli Sirlin; Mariana Tirantte - Nora Lezano; María Julia Bertotto - Félix Monti.

Dirección: Javier Margulis/ Coordinación general: Marcelo Valiente/ Coordinación técnica: Marco Pastorino / Coordinación de realización: Sergio Muños.

Con la colaboración en la realización de estudiantes del IUNA, de las carreras de escenografía y de iluminación.

Primera etapa:

Escenógrafos e iluminadores exponen una escenografía iluminada

a modo de “Objeto escénico”.

Temática: el contexto ESMA y el núcleo de sensaciones que afectan al ingresar por primera vez al predio.

Conectar con aquellas imágenes oscurecidas por el dolor, compartirlas e iluminarlas.

Las once escenas co-habitan intervienendo un espacio común,

la sala de Teatro del CCMHConti. El espacio de la memoria,

Segunda etapa:

Se convocará a directores teatrales, escritores y actores, que tomaran

como motivo para la creación de una micro escena, alguna de las propuestas espaciales presentadas en la primera etapa. Las once escenas serán presentadas casi simultáneamente repitiéndose varias veces en el transcurso de la función.

Av. Del Libertador 8151 (Ex ESMA) - CABA

Tel: (+54 11) 4701-1538/1594/1876/5249
e.mail: cchconti@jus.gov.ar
www: www.derhuman.jus.gov.ar/conti

Horarios
Martes a Viernes de 12 a 21 hs.
Sábados y Domingos de 11 a 21 hs.
Lunes Cerrado.

Biblioteca:
Martes a Viernes de 10 a 19 hs.
Sábados de 10 a 14 hs.

Cómo llegar
Colectivos Liniers - Puente Alsina, por General Paz: 117 y 28
Benavídez - Valentín Alsina, por Av. Del Libertador: 15
La Boca - Olivos, por Avda. del Libertador: 29
La Boca - Estación Boulogne, por Avda. del Libertador y Correa: 130
Trenes Ferrocarril General Mitre (ramal Tigre): Estación Rivadavia

CORAZON DE BOXEADOR

2010-09-03T06:50:00.001-07:00

CORAZON DE BOXEADOR

LAS NEUROSIS

2010-09-02T19:26:00.000-07:00

AQUI SE PUEDE VER EL VIDEO
http://www.neurosissexuales.com.ar/

AGOSTO

2010-08-11T19:44:00.000-07:00

Una pieza fuerte y conmovedora sobre el deseo
Estrenó la obra "Las neurosis sexuales de nuestros padres"
Se estrenó en la porteña sala del CELCIT, la obra Las neurosis sexuales de nuestros padres del polémico dramaturgo suizo Lukas Bärfuss, uno de los más exitosos de habla alemana.
Mariana Díaz pone en escena esta pieza sobre las complejas e infinitas variables del amor, las relaciones entre padres e hijos, la medicación de "los diferentes" o "desviados". Estos temas son abordados con hondura en una puesta exenta de prejuicios, y cargada de una emocionante sutileza.
Las neurosis... gira en torno al personaje de Dora, quien ha vivido medicada por una incierta enfermedad mental, hasta que su madre y un nuevo doctor cambian el rumbo del tratamiento. Dora, en estado de abstinencia química, descubrirá entonces que sus deseos pueden guiar sus actos. Pero esto desorganizará dramáticamente a los que la rodean, precipitando un desgarrador final.
“Las neurosis... no responde ni concluye, no hace de manual del deber ser, se limita a plantear y preguntar”, dice sobre la obra Mariana Díaz. “En esa actitud reside la potencia del material, cuya traducción escénica produjo una clave actoral de la que han quedado excluidos de plano los juicios de valor, los prejuicios de cualquier índole y especialmente los golpes bajos”, se explaya la directora.
Los diferentes ámbitos en los que transcurre la obra son sugeridos a través de la proyección de las acotaciones –que preceden a cada una de las escenas– y siempre las sitúan en tiempo y espacio sobre una importante pantalla. Se intenta que funcionen como los carteles con texto de las películas mudas. Así ingresa al escenario el lenguaje cinematográfico, muy presente en esta pieza a través de diversos guiños textuales y rítmicos.
“Si bien no es de esperar que la sensación al espectar este material sea la del puro disfrute –anticipa Díaz–, anhelamos profundamente que el público viva un momento intenso y conmovedor, tanto como los que vivimos nosotros haciéndola”.
El autor. Lukas Bärfuss visitará la Argentina en octubre próximo con motivo del estreno de sus obras Las Neurosis sexuales de nuestros padres (en el CELCIT) y Petróleo (que se podrá ver próximamente en el Instituto Goethe, con co-dirección de Georg Tielmann y Sergio Grimblat).
Diagonales. 9 de agosto de 2010

Las neurosis sexuales
de nuestros padres

De Lukas Bärfuss. Con Aldo Alessandrini, Leandro C. Caamaño, Silvina Katz, Pablo Lambarri, Celeste Monteavaro, Florencia Naftulewicz, Mario Petrosini. Diseño gráfico y audiovisual: ideas.bratoz.com.ar. Vestuario: Laura Molina. Iluminación: Marcelo Cuervo. Música: Tian Brass. Escenografía: Carlos Di Pasquo. Producción ejecutiva: Julieta Bottino. Asistente de dirección: Natalia Córdoba. Dirección: Mariana Díaz.

Domingos 16 hs.
Entrada: $ 40. Estudiantes y jubilados: $ 25.
CELCIT. Moreno 431. Reservas al 4342-1026

Más información: www.celcit.org.ar

2010-08-11T19:42:00.001-07:00

Gené revisita a García Lorca
“Bodas de sangre (un cuento para cuatro actores)". Conmovedor tejido teatral.
Singular entramado. Juan Carlos Gené conjuga la obra del poeta granadino con su historia personal en su versión de “Bodas de sangre”.
Asiduo visitante de la poética de Federico García Lorca, Juan Carlos Gené versionó en Bodas de sangre (un cuento para cuatro actores) por primera vez, prácticamente íntegra, un texto destinado para teatro por el poeta granadino. Con licencias, claro, logró en escena un entramado de singular potencia solventado con fragmentos de su historia personal.
A partir de las entradas y salidas de la tragedia en verso mediante un personaje bisagra, procedimiento basal del espectáculo, una puerta resulta clave: el recuerdo del director cuando tenía cinco años, en 1933, que reconstruye la visita de su madre junto a su tía a una función de Bodas de sangre, en el Teatro Avenida.
Este hecho, donde Gené oyó por primera vez hablar de Lorca y en cierto modo del teatro como acontecimiento, dispone la escena como territorio lúdico y vivencial. En ella cuatro actores -además de Gené, Verónica Oddó, Violeta Zorrilla y Camilo Parodi- dan forma con pinceladas esenciales al destino de dos amantes entrecruzados por la muerte.
Los intérpretes alternan todos los personajes de la obra de Lorca, abren y cierran las escenas; citan las didascalias, ejecutan instrumentos musicales y manipulan los objetos de un espacio con dos frentes de acción delimitado por hojas secas.
Allí la escenografía -diseñada al igual que el vestuario por Carlos Di Pasquo- condensa desde lo mínimo tanto la alegoría de Lorca cincelada en la belleza de su lenguaje, como los recuerdos de Gené sobre sus mitos familiares: “ Esos que condicionan existencias ”, dice al comienzo del espectáculo.
Esta reescritura de Bodas de sangre es un conmovedor tejido teatral que recrea en escena la sabiduría de un artificio anudado a la memoria.
Juan José Santillán. Clarín. 26 de julio de 2010

Juan Carlos Gené y Verónica Oddó en
Bodas de sangre

De Federico García Lorca
(Un cuento para cuatro actores)
Con Camilo Parodi y Violeta Zorrilla
Asistente: Milagros Plaza Díaz
Escenografía y vestuario: Carlos Di Pasquo
Dramaturgia y dirección: Juan Carlos Gené

Sábados 21 hs. Domingos 19 hs.
Entrada: $ 40. Estudiantes y jubilados: $ 25.
CELCIT. Moreno 431. Reservas al 4342-1026

EL ESTRENO DE JUNIO

2010-08-11T19:18:00.000-07:00

MINETTI

2010-04-25T17:32:00.000-07:00

2º año de funciones

Juan Carlos Gené en
Minetti

De Thomas Bernhard
Con Maia Francia
Escenografía y vestuario: Carlos Di Pasquo
Música: Osvaldo Aguilar
Asistente: Juan Lepore
Dirección: Carlos Ianni

Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=5OXxa5ToYNE

Hasta el 30 de mayo
Sábados 21 hs. Domingos 20 hs.
Entrada: $ 40. Estudiantes y jubilados: $ 25.
CELCIT. Moreno 431. Reservas al 4342-1026

UNA SÓLIDA Y SINGULAR VERSIÓN. Thomas Bernhard propone en "Minetti" una experiencia muy singular. Parte de la historia de un viejo actor que espera a un director teatral que le ha dado esa cita para concretar su vuelta al teatro, después de 30 años, para representar "Rey Lear", pero el director nunca llega. ¿Qué es lo singular? El procedimiento de una trama que se construye entre unas verdades que no son tales y unas mentiras que, en verdad, son muy sabrosas y que posibilitan al espectador ingresar a un mundo fantástico muy atractivo. En primer lugar, el del autor, que puesto a fantasear desde un personaje real nos hace jugar con nuestro pensamiento, manejando él los límites; y un personaje, ya mayor, cuyas angustias son muchas pero que, en esta puesta, se torna profundamente entrañable aunque aparezca decadente, parlanchín al extremo y expuesto en sus más íntimas miserias. En un espacio despojado, Minetti (Juan Carlos Gené) y la Señora (Maia Francia) se descubren de continuo y a través de un vínculo que, a medida que se fortalece, los va desnudando con profunda sinceridad. Y tanta que, a veces, salen del texto de Bernhard para reflexionar sobre ese mundo de actores del que participan, al que de inmediato volverán a ingresar -máscara de por medio- para retomar la delirante situación que los ocupa. Ambos se destacan mucho. Ella es dueña de una sensualidad particular que explora a fondo y construye una imagen muy segura y verdadera que intriga en todo momento. El, como un gran mago, saca de una enorme galera múltiples recursos: los expone, los explota y los guarda para una próxima vez, con la seguridad de que ha dejado al público conmovido. La interpretación de Gené está cargada de sabiduría y pasión. Su Minetti es entrañable y su manera de trasmitir el texto, de una gran musicalidad. La muy meticulosa y precisa dirección de Carlos Ianni no hace más que aportar una lograda síntesis de este material que juega con verdades y sabrosas mentiras, para hablar del teatro. Carlos Pacheco. Diario La Nación

LOS LÍMITES DE LA ACTUACIÓN. El espectáculo teje una materialidad escénica cuyo lenguaje sumerge al espectador en un juego de espejos donde el actor y su eco se reformulan constantemente durante la puesta en escena. Los actores entran y salen del texto de Bernhard según la circunstancia del delirio poético que ambos despliegan en un hotel costeño de Bélgica. Un humor ácido, corrosivo, merodea sus reflexiones. Gené, en escena, individualiza lo inasible de un texto complejo. Con ochenta años, crea su propio inventario sobre el que desliza las palabras de Minetti. Y asistir a esa experiencia es, por sí mismo, un acontecimiento de verdad que se liga al desarrollo de un oficio. "Me bastaría con una sola representación; eso sí, con los mejores actores", dijo Bernhard acerca del estreno de sus obras. Y cerca de esta apreciación, trabaja la versión que se presenta en el CELCIT. Juan José Santillán. Diario Clarín

EL HOMBRE QUE PERDIÓ SU SOMBRA. Lo "normal", cotidiano, se trastorna con irresistibles tensiones en el dramaturgo Thomas Bernhard. Su "Minetti" regresa a nosotros en una nueva lectura personal. La reflexión, algo autoconfesional, sobre la banalidad de los propósitos del hombre y del teatro se condensa en la adaptación de Juan Carlos Gené a su línea central: la triple, indecisa impostura del hombre, el actor y el personaje frente a su improbable trascendencia. El resto de los personajes son aquí solo una mujer que espera y no espera, escucha y no oye, varada en el mismo lobby de un hotel. Carlos Ianni transcribe con sensible austeridad ese desolador soliloquio reflexivo, que agoniza en Gené; acaso la más lograda, honda creación de su dilatada carrera, que roza casi aquella "santidad actoral" que buscaba Grotowski. Luis Mazas, Revista Veintitrés

MINETTI. Juan Carlos Gené celebra sus ochenta años dando vida a un proyecto y a un personaje largamente esperados: "Minetti" del austríaco Thomas Bernhard (1931-1989), texto cuyo subítulo –"Retrato del artista como hombre viejo"– remite a temas recurrentes en su propia producción teatral –"Ulf" y "El sueño y la vigilia"–: la pervivencia a través del arte, el rol del actor que, en búsqueda de la verdad, transita por ambiguos límites: entre teatro y vida, entre sueño y vigilia como correlatos de muerte y vida pero también de fantasía y realidad. La puesta en escena de Carlos Ianni logra con gran economía de recursos y sentido plástico –el mural que reproduce una pintura de Ensor, el uso de la luz y el sonido, el contraste de colores en el vestuario– generar una atmósfera sugerente y elusiva pero, a la vez, fuertemente simbólica. A pesar de la complejidad del personaje, Juan Carlos Gené logra una admirable interpretación del protagonista, con quien comparte interrogantes aunque no todas las respuestas, mientras que Maia Francia aporta la necesaria cuota de enigmática sensualidad a la Mujer que, como cifra del mundo, acompañará a Minetti en el tramo final de su recorrido. Guillermina Costantini de López. Revista Criterio

EL ACTOR Y SU CIRCUNSTANCIA. Sigo creyendo que lo vital del teatro, y lo que todavía atrae a la gente a los escenarios, es el actor. "La simbiosis entre un gran actor y un gran texto es una cosa impresionante, decía hace un tiempo Juan Carlos Gené y, aunque no hablaba de sí mismo, la aseveración se cumple puntualmente en las representaciones de "Minetti". El texto alude precisamente a la condición del actor, en una visión múltiple que abarca tanto lo racional como lo irracional de una profesión tan ligada con la subjetividad del creador, a sus más íntimas oscilaciones, a sus comportamientos neuróticos que, a la vez, entrañan una de las posibilidades de comunicación más profundas. Una paradoja milenaria que hace persistir el hecho teatral en medio de la avalancha tecnológica actual. La sutileza del clima creado es mérito de la dirección de Carlos Ianni, rigurosa en los detalles y elocuente en las imágenes de los dos seres desamparados y de los fantasmas que los acosan. La uruguaya Maia Francia se revela como una actriz sensible, que aporta diversos matices para comprender esa enigmática mujer de amor desencontrado. Y Juan Carlos Gené vuelve a prodigar una actuación antológica, aunque esta tenga un plus diferencial. Por empezar, su edad (tiene 80 años, nació el 5 de noviembre de 1928) es un punto de contacto con el personaje, pero él elude las facilidades del psicologismo: "Si uno intenta comprender el delirio, es imposible -dijo a propósito de este trabajo-. Tanto como comprender la gran metáfora poética. En la mente de un delirio poético hay algo a lo que se accede por pura intuición, sin pensar demasiado en lo que se quiere significar". La ambigüedad esencial del personaje es proyectada por el actor mediante una compleja trama de gestos y palabras y un desplazamiento que llena de sentido el escenario del CELCIT. José Moset, Diario Acción

UN POÉTICO JUEGO DE MÁSCARAS. ...Una intensa relación, donde por momentos Minetti parece alucinar todo lo que está sucediendo, y la mujer adquiere una enorme carga simbólica. Algunos signos oníricos generan una dimensión distinta, donde se mezclan lo real y lo imaginario y se generan varias preguntas, como por ejemplo si es o no un sueño, el teatro. Los actores, al mismo tiempo juegan a entrar y salir de sus papeles, cuestionando la historia, para luego retomarla con la energía de sus personajes. El estar en escena de Gené, y los climas que genera, son impecables, realmente una clase de actuación. El trabajo de Maia Francia también es muy bueno, logra sostener durante toda la obra un interesante personaje con una sutil cuota de misterio y seducción. La dirección de Carlos Ianni es muy precisa, con mínimos recursos logra una impecable puesta. Todo está en el trabajo de los actores y su imaginario, un juego de espejos donde el teatro se refleja a si mismo a través de un actor, y donde todos nos sentimos reflejados a través de los sueños. Eva Matarazzo. www.castingportena.com.ar

MINETTI. Un viejo actor, alguna vez admirado, famoso, pero hoy olvidado, aferrándose a un regreso triunfal que nunca llega. Un largo discurso, vehemente, rencoroso, senil, sobre el teatro, la representación, el actor. Un decrépito hotel que alguna vez fue majestuoso y una joven que escucha, a veces apenas entretenida, otras conmovida, y observa. Por un breve momento se interrumpe la representación, y nos enfrentamos a los actores reflexionando sobre la obra, poniendo en evidencia esa transformación, ese artificio que implica el teatro (falsedad que como público nos tragamos sin pensar). Y luego volvemos a Minetti, al hotel. Una buena obra interpretada por un excelente actor. Una verdadera clase magistral de actuación, de esas que da placer ver y que se aplauden de pie. Nada menos. Recomendable. Martín Pérez Rivas. http://resenasdecineyvida.blogspot.com/

EL ACTOR SIN ESCENARIO. Los actores son dos. Los personajes que pueblan la escena, son múltiples, devienen presencias construidas por la Señora: el conserje, los pasajeros con máscaras que se divierten, bailan, atropellan a Minetti, los viejos huéspedes del hotel, que pueblan fantasmalmente la escena. Minetti, en cambio, conjura dos personajes: un director de teatro que lo ha citado en este hotel para su última representación, luego de 30 años de no subir a un escenario, y un personaje de Shakespeare, Lear. Minetti es un viejo actor que se ha encerrado en un pequeño pueblo a renunciar a los clásicos y a quedarse con el único texto que para él es valioso, "El rey Lear". Según dice, ha pasado años repitiendo todos los días el mismo papel, preparándose para la puesta en escena. Ella es pura juventud, lo sabe, lo explicita, él es un anciano que se está despidiendo no sólo del teatro, y que ha puesto todo lo que le quedaba al servicio de esta cita: sus pasos cansados, la memoria de la letra, el último dinero para pagarse el pasaje, la máscara que posee, guardada en la valija. Minetti, cruza sus palabras reiterativas e insistentes, con los textos de Lear, y aún más, de vez en cuando, aparecen Gené y Francia. Se tematiza el teatro, y parece imposible hacerlo desde la distancia. La propuesta espacial es cuidada y austera, la buenísima dirección de Carlos Ianni juega con estas actualizaciones y acercamientos; la distancia de la ficción, se construye con el balcón de la sala y las palabras de Minetti: está sentado sobre la valija, en medio de una tormenta de nieve, y vaya si percibimos su frío (y uno vuelve a agradecer, verlo a Juan Carlos Gené allí, porque es él el que logra que Minetti esté enfrente nuestro, todo presencia). El director del teatro nunca llegó y un actor sin escenario ¿qué más puede esperar? Mónica Berman. www.criticateatral.com.ar

GENÉ REVIVIÓ AL FALSO MINETTI. Asombroso espectáculo, creado gracias a la versión escénica de la pieza original de Thomas Bernhard y obtenido con mucha paciencia y sabiduría por Carlos Ianni. Juan Carlos Gené nos muestra las naturales ambigüedades, los desmesurados sueños y anhelos nunca satisfechos del anciano primer actor Minetti que, pretendiendo encarnar al shakesperiano rey Lear, acepta una invitación para reunirse con el director de un pequeño teatro de una ciudad, en un misterioso hotel, precisamente antes de la medianoche de un 31 de diciembre. Pero no le cumplen la cita y esa angustiada espera, que precede a su muerte, la tiene que matizar con un complejo dialogo que le brinda una misteriosa dama (Maia Francia), al tiempo que enmascarados personajes los vigilan o los incitan a una rumbosa fiesta para recibir el Año Nuevo. Esta versión, una cuidada producción minimalista, permite hilvanar un conjunto de densas reflexiones sobre verdades y mentiras del mundo artístico, y, en especial, el desolado drama de los actores cuando envejecen y su soledad la nutren con proyectos fabulosos que nunca realizarán o con fantasmas de un pasado mejor. Pero más allá de ser una pieza existencialista sobre los hacedores de las artes escénicas, es una seria invitación a reflexionar sobre la vida de todos los seres humanos al llegar al limite de sus fuerzas físicas en medio de una sociedad o una comunidad que no acepta la vejez, ni menos la muerte, a las cuales niegan; una sociedad que prefiere suicidarse con sus desaforadas actitudes antes de aceptar el derrumbe biológico, sin darse cuenta que la ancianidad anida en sus cerebros, aunque el espejo muestre rostros tersos por las terapias del bisturí. Lo más importante, para nosotros, es haber visto, una vez más, al maestro Gené dando una clase magistral de actuación y degustar, tambien, su estremecedora arenga sobre la vida de un actor capaz de desafiar a la muerte misma, un ritual maravilloso, apuntalado en un profesional equipo. E.A. Moreno Uribe. Diario Ultimas Noticias (Venezuela)

MARAVILLOSA HUMANIDAD. "Minetti" es el montaje con el que Juan Carlos Gené celebra sus 80 años de vida prestando su maravillosa humanidad al personaje de Thomas Bernhard en este “Retrato del artista como hombre viejo”. "Minetti" toma de pretexto la figura del actor real Bernhardt Minetti para entregarnos la historia conmovedora de un viejo histrión en retiro que espera impaciente en el loby de un hotel belga la llegada de un director de escena que le ha prometido prometido el papel del Rey Lear. Personaje que Minetti, desde su autoexilio de las tablas, lleva 30 años ensayando frente al espejo. Una presencia femenina enigmática (Maia Francia) acompaña en su espera al viejo, al que beckettianamente se le desamarran una y otra vez los cordones inferiores de sus calzones largos de invierno. La agonía reiterada del artista en un juego de espejos nos entrega un trabajo en donde la delicia mayor es ver a Gené, este gran maestro del teatro argentino, sobre las tablas. Jaime Chabaud Magnus. Diario Milenio (México)

MINETTI. Un trabajo exquisito de actuación, un texto muy especial, una suerte de laberinto de espejos que cruza máscaras de un encuentro imposible entre el pintor belga James Ensor y Minetti, curiosamente el autor fetiche de Bernhard. El texto es poético, precioso, un estilete. El trabajo de Juan Carlos Gené, bajo la dirección de Carlos Ianni, un bordado perfecto. LND. Diario La Nación (Chile)

SACCO Y VANZETTI EN BAHIA BLANCA

2010-04-01T18:59:00.000-07:00

Fines de marzo en el Teatro Municipal

2010-03-22T21:34:00.000-07:00

EL OTOÑO LLEGO CON PREMIOS

2010-03-22T21:24:00.000-07:00

El 22 de marzo se entregaron los premios ATINA

PREMIOS EN MAR DEL PLATA

2010-02-15T16:45:00.000-08:00

SACCO Y VANZETTI RECIBIO DOS ESTRELLAS DE MAR
UNA COMO MEJOR DIRECCION Y OTRA COMO REVELACION MASCULINA A GUSTAVO PARDI
Y ADEMAS

Acaba de llegar la notificación de la secretaría de Cultura para el colectivo "Sacco y Vanzetti" para hacernos saber que :

..." han resultado merecedores de una mención del Premio José María Vilches ed. 2010, distinción que anualmente otorga la secretaría de Cultura al espectáculo que por sus valores éticos y estéticos, realice una labor de relevancia durante la temporada de verano de Mar del Plata.

Este Premio tiene como objetivo otorgar especial reconocimiento a la obra que se caracterice por destacar la dignidad humana y los valores sociales, por contribuir a la prédica de la libertad y de la paz y por presentar criterios escénicos, autorales e interpretativos, tanto individuales como grupales, que lo destaquen del resto de las obras que se presentan en nuestra ciudad"

2010 comienza con reposiciones

2010-01-25T08:26:00.000-08:00

EN ENERO, EN BUENOS AIRES, SE REPONE "KRAPP" EN EL TEATRO SAN MARTIN

EN MAR DEL PLATA:
SACCO Y VANZETTI
EN LA RECIEN INAUGURADA SALA MELANY

Y DESPUES DE DIEZ AÑOS SE REESTRENA
CRISTAL NEGRO
EN EL TEATRO "EL SEPTIMO FUEGO"

2009-12-14T20:15:00.000-08:00

KRAPP, LA ULTIMA CINTA MAGNETICA

Teatro San Martin
con Walter Santana
dirección Juan Carlos Gené

ASESINO SIN SALARIO

2009-12-14T19:22:00.000-08:00

SE ESTRENO EN EL TEATRO ACTOR STUDIO
CON LA DIRECCION DE FRANCISCO JAVIER

FIBA

2009-10-12T21:22:00.000-07:00

EXPOSICION

SACCO Y VANZETTI

2009-10-12T21:10:00.000-07:00

SE ESTRENO EN EL BAUEN

2009-07-27T21:24:00.000-07:00

CANTATA DE PEDRO Y LA GUERRA

2009-07-27T21:18:00.000-07:00

El sabado 25 de julio se estreno la CANTATA DE PEDRO Y LA GUERRA
de María Inéz Falconi con la direccion de Carlos de Urquiza

RECREACION DE LOS ESPACIOS DE LA CASA DE ANA FRANK

2009-06-10T20:36:00.000-07:00

EL 12 DE JUNIO, DIA EN QUE SE CELEBRA EL 80 ANIVERSARIO DEL NACIMIENTO DE ANA FRANK SE INAUGURA EN BUENOS AIRES EL CENTRO ANA FRANK
EN EL CUAL HE REALIZADO LA RECREACION DE ALGUNOS DE LOS ESPACIOS DE LA CASA DE ATRAS DONDE SE REFUGIARA ANA FRANK.
ES LA PRIMERA VEZ EN EL MUNDO QUE SE REALIZA ESTA RECREACION Y SE PUEDE VISITAR EN SUPERI 2647

MINETTI

2009-06-10T20:34:00.000-07:00

JUAN CARLOS GENÉ: RADIOGRAFÍA DE UNA NATURALEZA ABISMAL
A sus ochenta años, el actor, director y dramaturgo Juan Carlos Gené ofrece una interpretación visceral en una pieza de Thomas Bernhard. Figura sobresaliente de nuestra escena, asegura que el teatro es un arte vinculado a la muerte.
Por Olga Cosentino

A sus 80 años, un gran hombre de la escena argentina elige actuar la vejez de un actor. Juan Carlos Gené está representando "Minetti", del austríaco Thomas Bernhard (1931-1989), acompañado por la actriz Maia Francia y dirigido por Carlos Ianni, en el CELCIT. A pocas semanas del estreno, compartió con Ñ su almuerzo y sus reflexiones, a la luz otoñal de un mediodía, en su departamento de San Telmo. "Desde hace tiempo conozco este texto, ante el cual siempre experimenté una empatía fluida, poco problemática y curiosamente iluminadora de lo que yo mismo no entiendo. Creo que es el instinto lo que me permitió acercarme a lo indescifrable que propone Bernhard. Si con la racionalidad se pretende aprehender el delirio, lo más probable es que el intento naufrague. Hay que entrar en ese delirio para encontrarle algún sentido."
El título de la obra alude a Bernhard Minetti (1905-1998), un talentoso actor, también austríaco, en quien el autor se inspiró para escribir despiadadamente sobre el extravío, el narcisismo y la sabiduría de un artista en la antesala de la muerte. La anécdota, sin duda apócrifa, expone al anciano comediante –que detesta los clásicos y desprecia al público– a la espera terminal e infructuosa del director que acaso lo contrate para hacer al Rey Lear. Una atmósfera agónica evoca al Beckett de "Esperando a Godot" o al Thomas Mann de "Muerte en Venecia". El verdadero Minetti fue intérprete de esa versión ficcional de sí mismo, en el estreno de la pieza, en 1976. Y la cadena de asociaciones y paradojas podría continuar si, por ejemplo, se pretende que en la identidad entre el apellido del autor y el nombre de pila del protagonista (Bernhard) hay algo más que una casualidad. O si se le pregunta a Gené por sus personales coincidencias y discrepancias con el pensamiento del personaje y/o del autor que por estos días interpreta –a juicio de esta cronista– con un virtuosismo radical y definitivo. "Debo decir que algunas afirmaciones de mi personaje son absolutamente indescifrables. Y otras están en total contradicción con lo que pienso. Pero es mi personaje quien sabe; el que no sabe soy yo", asegura. Cuesta aceptar que no sabe quien, en magistral composición, logra habitar a su personaje como si se tratara de su hermano, de alguien tan íntimamente conocido como para vestir con naturalidad doméstica su ligeramente estrafalario atuendo negro, su gastado, señorial y decimonónico abrigo con cuello de astracán, su sombrero de romántica ala y hasta el patético calzoncillo largo que se obstina en dejar a la vista el cordón, que asoma una y otra vez debajo de la botamanga del pantalón, desnudando la torpeza senil de quien no consigue anudarlo correctamente. Gené comunica a su criatura no sólo los gestos, las reiteraciones, los balbuceos y los olvidos de Minetti; hay un soplo vital del actor hacia el personaje, que invita a pensar en una complicidad tan genuina como secreta.
Por lo pronto, ambos son dos veteranos y gloriosos artistas para quienes Rey Lear condensa inabarcables significados. En su doble carácter de dramaturgo y actor, Gené también persiguió el fantasma de Lear en su recordada obra "El sueño y la vigilia", que en 2000 interpretó y dirigió junto a Verónica Oddó. Allí también, como en "Minetti", se habla del oficio del comediante, de la decadencia, de la vocación del arte por vencer a la muerte y del fracaso (¿inexorable?) de ese intento. La infancia, la adolescencia o la edad adulta, suelen ser pensadas por quienes ya las transitaron. Sobre la vejez y los tramos finales de la existencia reflexionan, mayoritariamente, quienes todavía no han experimentado esas vivencias. El autor de "El herrero y el diablo" o de "Cosa juzgada" tiene, sin embargo, la ocasión biológica de decir y actuar sobre un asunto que conoce desde adentro. Aunque se declara perplejo: "Sé desde hace tiempo que transito la plena vejez, pero nunca advertí cuándo atravesé esa frontera, cuál fue el límite. No lo sé. Y no me parece que tenga sentido planteármelo". No obstante, admite estar en paz. "La vida no tiene deudas conmigo. Aunque siempre he tomado la precaución, en forma consciente al menos, de no pedir demasiado. El proceso biológico es implacable y rebelarse lleva a la indignidad y al ridículo".
Thomas Bernhard, que murió a los 58 años, sobrellevó siempre una salud precaria y cultivó una visceral rebeldía ante la vulnerabilidad de la condición humana. "Aunque lejos de caer en el ridículo –diferencia Gené–, lo que el autor de "La fuerza de la costumbre" o "Heldenplatz" hizo fue comprometer su cuerpo y su inteligencia en la búsqueda, a sabiendas infructuosa, de algún sentido para las injurias del destino y de la naturaleza. Un asunto que ocupó también a Samuel Beckett, quien en cambio, consideró siempre inútil cualquier rebeldía".
La misma cuestión en dos autores que casualmente (o no tanto) coinciden en la agenda 2009 de Juan Carlos Gené. "En enero inauguré un cuadernito de notas y escribí en el encabezamiento '2009, año S. B.' Pensaba en Samuel Beckett, de quien ya tenía previsto dirigir "La última cinta magnética", en setiembre, en el San Martín, con Walter Santa Ana. Pero no imaginaba que antes de eso iba a estrenar "Minetti", una obra que hacía tiempo quería hacer".
- La asociación temática entre ambas obras y autores, ¿le sirvió para que se iluminaran recíprocamente?
- De hecho, en "Minetti" nos hemos permitido, con Carlos (Ianni), la libertad de asociarlos en una frase original de Bernhard en la que se dice: "Entra un inválido con muletas que pide su llave". Nosotros agregamos: "Signifique quien pueda", que es una frase de Beckett, a quien nombramos a continuación como autor de la misma. Me resulta muy interesante nadar entre dos aguas tan semejantes y tan distintas.
Al contrario de lo que podría suponerse, Gené asegura que precisamente por estar recorriendo ya su año 81, "Minetti" le resultó una fuente de energía. "Hacía tiempo que veníamos postergando con Ianni este proyecto, por distintas razones. Y esta temporada tampoco lo íbamos a hacer porque ya estaba programada en el CELCIT la reposición de las dos primeras obras de mi trilogía "Factor H". Pero como varios integrantes del elenco fueron convocados por el San Martín debimos reprogramar todo para julio. Fue la ocasión de retomar "Minetti".
Otro aspecto de la obra de Bernhard que Gené ha tratado en textos propios como "Ulf" o la mencionada "El sueño y la vigilia" es el intento de forzar la ficción teatral hasta que aparezca lo real. Un recurso shakespeareano por excelencia, que apela al teatro dentro del teatro o a resignificar la locura como camino alternativo hacia la verdad. En este punto, el entrevistado refiere que "si un personaje de ficción no está más o menos loco, no es personaje". "Por oposición, la cultura judeocristiana le atribuyó una cualidad demoníaca. Las criaturas que pierden el sentido de la comunicación cotidiana entran a comunicarse con un sentido de lucidez distinto. La famosa locura de Hamlet es un caso incontrastable."
El mismo pensamiento lateral permite a Gené internarse sin prejuicios en las aparentes contradicciones entre su criterio personal y las concepciones de los autores, con las que no necesariamente acuerda. "Es que Bernhard me conmueve por la desgarrada valentía y el compromiso con sus ideas. Y por su concepción del teatro como un arte vinculado a la muerte, a lo intolerable, a lo que perturba y desestructura al espectador. En cuanto a Beckett, quien descalificaba por religioso todo intento de querer darle sentido a algo, es alguien para quien el misterio de la vida no tiene grandeza; es algo ridículo y humillante. Yo conservo mi reverencia por el misterio. Cada día se me revela lo abismal de la naturaleza en términos elocuentes, descomunales. Pero justamente en medio de tal magnificencia, es imposible atribuirle cualidad ni sentido alguno a nuestra insignificancia".
Revista Ñ. Clarín. 16 de mayo de 2009

ULTIMO MES

Juan Carlos Gené en
Minetti

De Thomas Bernhard
Con Maia Francia
Escenografía y vestuario: Carlos Di Pasquo
Música: Osvaldo Aguilar
Asistente: Juan Lepore
Dirección: Carlos Ianni

ESTRENO EL 6 DE MARZO

2009-03-08T13:22:00.000-07:00

LOS SIETE LOCOS

2009-02-08T12:03:00.000-08:00

SE ESTRENO EN EL CENTRO CULTURAL DE LA COOPERACION EL 7 DE FEBRERO 2009

LOS SIETE LOCOS

2009-02-08T11:52:00.000-08:00

EL AÑO COMENZO CON MUCHAS NOMINACIONES

2009-02-06T02:05:00.000-08:00

Nominados a los Premios Estrella del Mar 2009

February 3, 2009 - 1:44 pm | Por -Analia- | Archivado en: Eventos, Teatro

Esta mañana se dieron a conocer las ternas para la entrega de los Premios Estrella de Mar 2009.

-Mejor música original
Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten. - Martín Bianchedi
Solo ella / Obra El evangelio de Evita – José Milano
Un único mundo – Nuria Martínez, Fernando Lerman, Carlos Vignola

-Comedia dramática
El hombre inesperado
Máscaras
Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten

-Escenografía
Carlos Di Pasquo por Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten
Luis Castelanelli y Jorge Díaz por Deslumbrante…!!!
Marcelo Valiente por El hombre inesperado

-Iluminación
Claudio García por Esperando el lunes
Fernando Di Yorio por Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten
Gonzalo Córdova por En la cama

-Dirección
China Zorrilla por Diario privado de Adán y Eva, el musical
Manuel González Gil por Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten.
Mariano Moro por Azucena en Cautiverio

-Actuación femenina de reparto:
Carla Conte por La cena de los tontos
Daniela Cardone por Taxi 2da parte
Nani Ardanaz por Máscaras.

-Actuación masculina de reparto:
Mario Alarcón por Taxi 2da parte
Martín Slipak por Taxi 2da parte
Pablo Codevilla por La cena de los tontos.

-Revelación femenina:
Claudia Fernández por Confesiones de mujeres de 30
Dalma Maradona por Taxi 2da parte
Natalia Alfonsi por Lisístrata

-Actuación protagónica femenina:
Alejandra Darín por El evangelio de Evita
María Valenzuela por Máscaras
Virginia Lago por Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten.

-Actuación protagónica masculina:
Juan Vitali por El evangelio de Evita
Luis Brandoni por El hombre inesperado
Manuel Callau por Por el placer de volver a verla. Una vez más, si me lo permiten.

La fiesta de entrega se realizará el lunes en la sala Astor Piazzolla del Teatro Auditórium.

EN ENERO

2008-12-21T12:56:00.002-08:00

SE ESTRENA EN EL TEATRO SANTA FE
DE MAR DEL PLATA

EN ENERO

2008-12-21T12:56:00.001-08:00

2008-12-21T12:51:00.000-08:00

ESTE VERANO EN MAR DEL PLATA.

2008-12-21T12:43:00.000-08:00

El 18 de diciembre se estrenó en el Teatro Colón
la obra : POR EL PLACER DE VOLVER A VERLA
UNA VEZ MAS, SI ME LO PERMITEN

PREMIOS TEATRO DEL MUNDO

2008-11-26T14:21:00.000-08:00

TEATRO NACIONAL CERVANTES

anuncia

PREMIOS “Teatro del Mundo”

Octubre 2007 - Septiembre 2008

Cuatro espectáculos que produjo el Teatro Nacional Cervantes y tres que formaron parte de su programación internacional, han sido destacados en la XI edición del Premio “Teatro del Mundo”, que otorga la universidad de Buenos Aires. El acto de entrega se realizará el jueves 27 a las 16.00 horas en el Centro Cultural Ricardo Rojas. El Teatro Cervantes participa a los medios de estas importantes distinciones y felicita a quienes las han merecido:

Dirección

Juan Carlos Gené (Todo verde y un árbol lila)

Dramaturgia

Juan Carlos Gené (Todo verde y un árbol lila)

Actuación masculina

Diego Reinhold (La Trup Sin Fin)

Espectáculo extranjero

Arguedas, los ríos profundos (Cuatrotablas. Perú)

Hora X: infierno de Dante (Matteo Belli. Italia)

Los que ríen los últimos (La Zaranda. España)

Espectáculo infantil

La Trup Sin Fin (Dir. Hugo Midón)

Robin Hood (Dir. Héctor Presa)

Creación/Interpretación musical o banda sonora

Carlos Gianni (La Trup Sin Fin)

Vestuario

Julio Suárez (Cremona)

Mónica Toschi (La Trup Sin Fin)

Iluminación

Leandra Rodríguez (La Trup Sin Fin)

Escenografía/Diseño espacial

Carlos Di Pasquo (Todo verde y un árbol lila)

Alberto Negrín (Cremona)

El jurado estuvo integrado por Melina Alfaro, Araceli Arreche, Cecilia Balassa, Marcela Bidegain, Julián Bokser, Diego Braude, Pamela Brownell, Jorge Caputo, Isabel Crubellier, Patricia Devesa, Lydia Di Lello, Silvina Díaz, Jorge Dubatti, Victoria Eandi, Gabriel Chapo Fernández, Marita Foix, Carlos Fos, María Fukelman, Marina García Barros, Gabriela García Morales, Pamela Ginszparg, Silvia Gordillo, Eduardo Graham, Silvana Hernández, Clara Ibarzabal, Sebastián Kalhat, Natacha Koss, Juana Lagunas Pilar, Alejandra Lamata, Patricia Lanatta, Belén Landini, Araceli Laurence, José Maldonado, Pablo Mascareño, Linda Maximo, Ezequiel Obregón, Grisby Ogás Puga, Cristina Quiroga, Lucas Rimoldi, Agostina Salvaggio, Silvia Sánchez Urite, Grissy Santomauro, Martha Silva, Nora Lía Sormani, Marta Taborda, Melania Torres Williams, Jimena Trombetta, Irene Villagra y Martín Wolf,

OTRA NOMINACION

2008-10-27T06:12:00.000-07:00

Se anunciaron los nominados a los premios ace 2007-2008

lunes 20 de octubre, 4:13 PM

Buenos Aires, 20 de octubre (Télam).- "The pillowman", "Tres hermanas" y "El diario de Anna Frank" son los espectáculos que cuentan con más nominaciones en los distintos rubros incluidos en los premios ACE.

Por su parte, Agustín Alezzo se menciona en dos oportunidades como director, por "Rose" con Beatriz Spelzini como protagonista (también nominada como actriz protagónica), y por "otros tiempos de vivir" en el rubro dirección de espectáculo alternativo.

La nómina completa de los artistas nominados en las distintas ternas incluye los siguientes nombres: OBRA DRAMATICA - "El diario de Anna Frank" de Frances Goodrich y Albert Hackett - "The pillowman" de Martín McDonagh - "Todo verde y un árbol lila" de Juan Carlos Gené - "Tres hermanas" de Anton Chéjov CTCBA ACTOR PROTAGONICO EN DRAMA - Daniel Fanego, por "Tres hermanas" - Juan Manuel Tenuta, por "Solas" - Pablo Echarrri, por "The pillowman" ACTRIZ PROTAGONICA EN DRAMA - Beatriz Spelzini, por "Rose" - Elena Tasisto, por "La celestina" - Carolina Fal, por "Tres hermanas" ACTOR DE REPARTO EN DRAMA - Carlos Belloso, por "The pillowman" - Norberto Díaz, por "El diario de Anna Frank" - Osvaldo Bonet, por "Tres hermanas" ACTRIZ DE REPARTO EN DRAMA - Emilia Mazer, por "El diario de Anna Frank" - María José Gabin, por "Como aprendí a manejar" - Nya Quesada, por "Tres hermanas" DIRECCION DE DRAMA - Agustín Alezzo, por "Rose" - Elena Tritek, por "El diario de Anna Frank" - Enrique Federman, por "The pilowman" - Juan Carlos Gené, por "Todo verde y un árbol lila" OBRA DE COMEDIA Y/O COMEDIA DRAMATICA - "Baraka", de María Goos - "El hombre inesperado", de Jazmina Reza - "Gorda", de Neil Labute - "Las mujeres sabias", de Molire ACTOR PROTAGONICO EN COMEDIA Y/O COMEDIA-DRAMATICA - Darío Grandinetti, por "Baraka" - Jorge Marrale, por "Baraka" - José Sacristán, por "Dos menos" - Luis Brandoni, por "El hombre inesperado" ACTRIZ PROTAGONICA EN COMEDIA Y/O COMEDIA-DRAMATICA - Betiana Blum, por "El hombre inesperado" - Gimena Riestra, por "Las mujeres sabias" - Mireia Gubianas, por "Gorda" - Viviana Saccone, por "En la cama" ACTOR DE REPARTO EN COMEDIA Y/O COMEDIA-DRAMATICA - Claudio Da Passano, por "Dos menos" - Jorge Suárez, por "Gorda" - Oscar Alegre, por "Codicia" ACTRIZ DE REPARTO EN COMEDIA Y/O COMEDIA-DRAMATICA - Carolina Tejeda, por "Grabado" - Diana Lamas, por "Dos menos" - María Socas, por "Gorda" - Susana Lanteri, por "Los monstruos sagrados" DIRECCION DE COMEDIA Y/O COMEDIA-DRAMATICA - Daniel Veronese, por "Gorda" - Javier Daulte, por "Baraka" - Luis Romero, por "El hombre inesperado" - Willy Landin, por "Las mujeres sabias" OBRA ARGENTINA - "Desdichado deleite del destino", de Roberto Perinelli, - "El trompo metálico", de Heidi Steinhardt - "Mujeres en el baño", de Mariela Asensio - "Todo verde y un árbol lila", de Juan Carlos Gené ACTUACION EN UNIPERSONAL - Graciela Dufau, por "Confidencias de una bruja" - Marikena Monti, por "Viejitos chotos" - Victoria Carreras, por "Quién dijo que era buena" ACTUACION HUMORISTICA - Antonio Gasalla, por "Maipo siempre Maipo" - Laura Oliva, por "Hairspray" - Diego Reinhold, por "Inolvidable" ESPECTACULO MUSICAL "Hairspray" "Maipo siempre Maipo" "Rent" DIRECCION DE MUSICAL - Betty Gambartes, por "No te prometo amor eterno" - Claudio Segovia, por "Maipo siempre Maipo" - Ricky Pashkus, por "Hairspray" - Valeria Ambrosio, por "Ella" ESPECTACULO DE CAFE CONCERT - "Bien argentino" - "Bye Bye Humor" - "La cena de Leonardo Da Vinci" ACTUACION MASCULINA EN MUSICAL Y/O CAFE CONCERT - Alejandro Paker, por "Pepino el 88" - Enrique Pinti, por "Hairspray" - Manuel Bandera, por "No te prometo amor eterno" - Salo Pasik , por "Hairspray" - Victor Laplace, por "Pepino el 88" ACTUACION FEMENINA EN MUSICAL Y/O CAFE CONCERT - Josefina Scaglione, por "Hairspray" - Karina K, por "Pepino el 88" - Nacha Guevara, por "No te prometo amor eterno" - Vanesa Butera, por "Hairspray" PRODUCCION - Lino Patalano, por "Maipo, siempre Maipo" - Javier Faroni, por "El hombre inesperado" - Pablo Kompel, por "Gorda"/ "Baraka"/ "Dos menos"/ "Hairspray" - Andy Ovsejevich- Ricardo Manetti, por "Rent" ESPECTACULO EXTRANJERO - "Alegría", Cirque du Soleil - "Slava's Snow Show" - "El Ballet Nacional de España" ESPECTACULO DE TEATRO ALTERNATIVO - "Desdichado deleite del destino" - "El trompo metálico" - "La pesca" - "Mujeres en el baño" ACTOR EN ESPECTACULO ALTERNATVO - Luis Machín, por "La pesca" - Nacho Vavassori, por "Desdichado deleite del destino" - Nelson Rueda, por "Desdichado deleite del destino" - Rubén Stella, por "Bailarín compadrito" ACTRIZ EN ESPECTACULO ALTERNATIVO - Carolina Tejeda, por "Mujeres en el baño" - Jorgelina Aruzzi, por "La madre impalpable" - Lidia Catalano, por "Otros tiempos de vivir" - Patricia Palmer, por "La música" DIRECCION DE ESPECTACULO ALTERNATIVO - Agustín Alezzo, por "Otros tiempos de vivir" - Corina Fiorillo, por "Desdichado deleite del destino" - Mariela Asensio, por "Mujeres en el baño" - Ricardo Bartis, por "La pesca" DISEÑO DE ESCENOGRAFIA - Alberto Negrín, por "The pillowman" - Carlos Di Pasquo, por "Todo verde y un árbol lila" - Facundo Lozano, Ana Repetto, por "Rent" - Marcelo Valiente, por "El hombre inesperado" DISEÑO DE VESTUARIO - Claudio Segovia, por "Maipo siempre Maipo" - Nidia Ponce, por "Las mujeres sabias" - Renata Schussheim, por "Pepino el 88" - Walter Jara, por "Rent" DISEÑO DE ILUMINACION - Gastón Díaz, por "El hombre inesperado" - Gonzalo Córdova, por "Gorda" - Sandro Pujía, por "Rent" MUSICA ORIGINAL - Carmen Baliero, por "Tres hermanas", - Federico Mizrahi, por "Pepino el 88" - Mauro García Barbé, por "Mujeres en el baño" COREOGRAFIA - Alejandro Cervera, por "Pepino el 88" - Elizabeth de Chapeaurouge, por "Ella" / "Haispray" - Gustavo Carrizo, por "Rent" ESPECTACULO INFANTIL - "¿Lo ves o no lo ves?" - "El mate" - "María Elena" - "Reinas magas" REGIE DE OPERA - Marcelo Perusso, por " Atila" - Mario Pontiggia, por "Electra" - Oscar Barney Finn, por "Acis y Galatea" / " La serva padrona", - Pablo Maritano "La italiana en Argel" REVELACION MASCULINA - Martín Pugliese, por "Bye bye humor" - Angel Hernández, por "Rent" - Esteban Pérez, por "Todo verde y un árbol lila" - Fernando Dente, por "Hairspray" REVELACION FEMENINA: - Inés Estévez, dirección de "Grabado" (Tape) - Heidi Steinhardt, autora de "El trompo metálico" - Vanesa Butera, protagonista de "Hairspray" - Victoria Almeida, la hija en "El trompo metálico". (Télam) ls-ahm-mag 20/10/2008 16:13

MADE IN LANUS

2008-10-01T20:38:00.000-07:00

El sabado 28 de septiembre se estrenó MADE IN LANUS
por el teatro TILF, en Las Flores.

ENTREGA DE PREMIOS FLORENCIO SANCHEZ

2008-07-24T16:27:00.000-07:00

El lunes 14 de julio de 2008 en el teatro Regina se entregaron los premios FLORENCIO SANCHEZ 2007. Resultó ganador CARLOS DI PASQUO por la escenografía de TODO VERDE Y UN ARBOL LILA. Obra escrita y dirigida por JUAN CARLOS GENE y puesta en la sala Orestes Caviglia del TEATRO NACIONAL CERVANTES durante los últimos meses de 2007 y los primeros de 2008.
La terna estaba integrada por LUZ DE GAS, de Guillermo de la torre y CABARET, de Jorge Ferrari.

2008-07-20T20:49:00.000-07:00

2008-07-20T20:47:00.000-07:00

BOCETO ESCENOGRAFIA "EL DIARIO DE ANNA FRANK"

2008-07-05T22:46:00.001-07:00

ESCENOGRAFIA "EL DIARIO DE ANNA FRANK"

2008-07-05T22:39:00.000-07:00

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Arq. Carlos Di Pasquo

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